¿Por qué la fruta es tan importante en el Arte?

Todos sabemos de la importancia de las frutas para nuestra salud, estado de ánimo, alimentación y en general, nuestra vida. Pero a veces no nos damos cuenta de la gran importancia que tienen estos alimentos en nuestra cultura e historia. Es por eso, que queremos enseñarles cómo los frutos han estado presentes en toda la historia del arte.

Para nadie es un secreto que las frutas son un gran alimento para nuestro cuerpo por su inigualable cantidad de beneficios que nos permiten tener una vida más sana y por ende un estilo de vida mucho mejor.

Lo que muchos no nos habíamos dado cuenta, es que las frutas han sido un alimento que ha hecho parte de la creatividad, y cultura del ser humano a lo largo de la historia.

En toda la historia del arte, son innumerables los ejemplos en donde las frutas se convirtieron en un tema atractivo para la pintura gracias a su colorido aspecto y a su belleza innata. Desde los bajorrelieves y las pinturas egipcias, hasta las obras más surrealistas, se demuestra la importancia de las frutas en las culturas y en la manera de comunicárselo al mundo.

Arte Antiguo y arte clásico

Desde los egipcios hasta el arte grecorromano, las frutas estuvieron presentes en las manifestaciones artísticas de dos de las civilizaciones más importantes de la antigüedad, como una muestra de su importancia en la vida diaria de la humanidad.

Los antiguos egipcios adornaban el interior de sus tumbas con bodegones de frutas, pues creían que dichas representaciones de alimentos y de objetos domésticos se harían realidad en el más allá.

Por otro lado, para los griegos y los romanos, los bodegones y los retratos de objetos cotidianos estuvieron relacionados con el arte realista que se presentaba en dicho periodo y eran elementos que representaban la variedad de alimentos de la que gozaban las familias de alta posición, la hospitalidad y las estaciones del año.

Renacimiento

El Renacimiento es la época en donde los frutos comienzan a ser verdaderos protagonistas dentro de la pintura europea por su sentido simbólico, ya que éstos son un elemento común en los cuadros religiosos de Fra Angélico, Bellini, Botticelli, Tura, entre otros.

En el siglo XVII las frutas alcanzan una mayor importancia por efecto de la pintura especializada en bodegones y floreros, en donde algunas veces se veían acompañadas de flores, golosinas y otros elementos característicos de la decoración de la época.

En este momento de la historia del arte, las frutas eran utilizadas como un símbolo religioso o para establecer un contexto determinado de espacio y tiempo, como por ejemplo la estación del año o el paso del tiempo a través de frutos en descomposición.

Al ser elementos con tanto simbolismo, a cada fruta se le dio un significado diferente que ayudaba a los artistas a transmitir el mensaje que querían dar y estos son:

• Limón y naranja: Según el contexto estas frutas tienen significados diferentes. El limón puede ser tomado como un símbolo de dolor, amargura o muerte, mientras que por otro lado la naranja significa fecundidad.
• Manzana: Esta fruta es la que tiene un mayor número de significados en la historia del arte. Puede simbolizar la juventud, el rejuvenecimiento, la perpetua frescura, el deseo, el pecado, el amor carnal, o dependiendo del contexto también puede representar la salvación
• Granadilla: Simboliza la vida eterna, la prosperidad divina, la unidad de la comunidad cristiana. Pero también puede significar la caída de la gracia y la naturaleza pecaminosa del hombre.
• Uvas: Estas significan la lujuria y/o el pensamientos lujuriosos.
• Melocotón: Este simboliza la virtud y el honor.
• Fresa: Es el símbolo de la armonía, y el alimento del alma.

Mención especial: Giuseppe Arcimboldo, el pintor italiano que vivió durante dicha época, se caracterizó por hacer un tipo de retrato en que donde el rostro de los de las personas estaba hecho con agrupaciones de animales, flores y sobre todo frutas. Su obra no era apreciada en el renacimiento, pero después de varios estudios se determinó que fue uno de los grandes precursores de lo que se conocería como surrealismo, ya que en sus pinturas se podía encontrar una mezcla de sátira y alegoría.

Siglo XIX y XX

En las épocas más modernas del arte, las frutas seguían siendo utilizadas en las obras pero no con el propósito de simbolizar y representar tantos significados, sino como un elemento más conceptual que buscaba establecer la emoción poética del creador de la pieza.

Este periodo de tiempo fue dominado, en gran parte, por corrientes artísticas poco realistas y abstractas, es por eso que cuando se hacían obras de arte en donde se incluían frutas y naturaleza, éstas no eran tan icónicas pues debían adaptarse a los criterios propios de cada corriente, como por ejemplo Claude Monet con el impresionismo, Vincent van Gogh con el postimpresionismo, Henri Matisse con el favismo, Joan Miró y René Magritte con el surrealismo, entre muchos otros

CURIOSIDADES SOBRE GOYA

En la España de la Inquisición resultaba raro y hasta algo peligroso pintar a una mujer desnuda, pero Francisco de Goya y Lucientes (1746–1828) no era una persona que se intimidara con facilidad y decidió pintar uno de sus óleos sobre lienzo más famosos, La maja desnuda. Este en aquella época polémico cuadro, una de las más célebres obras de Francisco de Goya, está rodeado de un buen número de anécdotas y curiosidades.

La primera de ellas es que hay quien cree que la modelo del cuadro fue María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, duquesa de Alba, de la que se dijo que tuvo un romance con el pintor. Otro de los rumores que rodean al cuadro es que Goya tomó la fama de pintor rápido a raíz de pintar este óleo. Se dice que, mientras Goya lo pintaba, alguien informó al marido de la duquesa de Alba, José Álvarez de Toledo y Gonzaga, de que éste estaba pintando un retrato de su mujer desnuda. El ofendido marido acudió al día siguiente al estudio del artista, pero una vez allí, lo único que pudo ver fue el retrato de su mujer… totalmente vestida. La leyenda señala que Goya, alertado de que el marido de la duquesa había sido informado de que la estaba representando sin ropa, pintó el cuadro de La maja vestida en esa misma noche, sobreponiéndolo al óleo de la primera pintura.

En realidad, La maja desnuda es una obra de encargo pintada antes de 1800, en un periodo que estaría entre 1790 y 1800 (el marido de la duquesa de Alba falleció en 1796, otro punto que parece desmentir la leyenda anterior), fecha de la que se tiene la primera referencia documentada de esta obra. La maja vestida sería una obra posterior, pintada entre 1802 y 1805.

El cuadro de La maja desnuda fue también conocido en la época de Goya como La gitana, y, desde luego, no se trata de un desnudo mitológico, sino del de una mujer contemporánea a Goya.

La maja desnuda de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 98 × 191 cm)

Por otro lado, según señala el historiador Robert Hughes, lo más probable es que la modelo fuera Pepita Tudó, amante y posterior esposa del que estuvo al frente del Gobierno de España entre 1801 y 1808, Manuel Godoy, y que ambos cuadros fueran pintados a requerimiento de este último, pues consta fehacientemente que ambos cuadros formaron parte de un gabinete de su casa, siendo su primer propietario conocido. 

Se sabe que en el mencionado gabinete de la casa de Manuel Godoy, La maja vestida se hallaba colocada sobre La maja desnuda, y que este último cuadro sólo se podía ver mediante el accionamiento de un mecanismo. 

La maja vestida de Francisco de Goya
(óleo sobre lienzo, 95 × 190 cm)

Otros hechos que parecen descartar que el retrato fuese de la duquesa de Alba, son las diferencias que se perciben en el rostro con respecto a otros retratos existentes de la misma, así como la circunstancia de que el aspecto de la maja es diferente, siendo ésta más baja y de formas más redondeadas que la duquesa.

En 1807, La maja desnuda pasó a manos de Fernando VII que se la requisó a Godoy, y en 1814, la Inquisición decidió depositarla en una sala reservada de la Real Academia de San Fernando, fuera de la vista del público, al clasificar la obra de obscena y atrevida. La Inquisición también inició un juicio contra Goya, del que éste logró salir absuelto gracias al apoyo del cardenal don Luis María de Borbón y Vallabriga.

Fue en 1910 cuando ambos óleos sobre lienzo se llevaron al Museo del Prado. 

LA CAPILLA SIXTINA: UN CEREBRO HUMANO

Al igual que en la obra maestra "La creación de Adán", los expertos aseguran que en los paneles de la Capilla Sixtina hay otra figura de Dios con un código oculto.

Se notó que la garganta y el pecho de Dios tenían irregularidades anatómicas, que no estaban presentes en ninguna otra figura en el fresco. Llegaron a la conclusión de que lo que parece torpeza debe haber sido un trabajo deliberado por el genio.

Mediante la superposición de cuello de aspecto extraño de Dios en la fotografía de un cerebro humano visto desde abajo que mostraron los dos igualados con precisión. Agregaron que un extraño rollo de tela se extiende hasta el centro del manto de Dios podría representar la médula espinal humana.

El cuello bultos en la figura Dios (A) del panel coincide con una fotografía del cerebro humano cuando se ve desde abajo (B), mientras que (C) muestra las diferentes partes del cerebro aparentemente oculta en la pintura.

LA TRADICION DEL BLACK FRIDAY

El cuarto jueves de noviembre Jerry y su familia se reunían en torno a una mesa llena de manjares. Su madre cocinaba pavo relleno regado con salsa de arándanos y acompañado por compota de manzana. En al mesa había entrantes de verduras, purés densos y sabrosos y, de postre, siempre tarta de calabaza. Ese día celebran una tradición que viene de antiguo.

 

Fue en el siglo XVII cuando los primeros colonos celebraron el Día de Acción de Gracias. Corría el año 1620 y un nutrido grupo llegó a lo que hoy es el estado de Massachusetts. Poco acostumbrados al frío de la zona y sin apenas comida, la mayoría enfermaron y buena parte murieron en aquellos primeros meses.

 

Cuando la primavera de 1621 empezaba a despuntar, un grupo de indios nativos fue al encuentro de los colonos, enseñándoles a trabajar las tierras, a cazar y a pescar para que, de este modo, pudieran disponer del alimento necesario para sobrevivir. A modo de agradecimiento organizaron una celebración en al que compartieron alimentos, el germen de una tradición que aún hoy se sigue celebrando.

 

Y al día siguiente Jerry iba con sus padres de compras. Comenzaba de este modo la adquisición de juguetes, prendas de ropa y cualquier otra cosa que se pudiera regalar en Navidad. Pero él odiaba aquella jornada. Las colas en los grandes almacenes eran insufribles y de los atascos mejor no hablar. Tal vez por eso los policías denominaron aquel viernes como Black Friday, porque la circulación era caótica. Los comercios, sin embargo, celebraban su particular puesta en marcha, incrementando el volumen de sus ventas hasta un 40% y pasando de números rojos a negros –otra posibilidad para el origen del término­–.

En cualquier caso, la vida de Jerry y la de otros tantos estadounidenses se veían absorbida por una vorágine de compras y descuentos, de carreras por obtener los mejores artículos al mejor precio. Una tradición que poco a poco han ido absorbiendo otros países y que, en España, se celebra desde hace apenas tres años.

Con la crisis como marco, la reciente subida del IVA y la eliminación de la ley que fijaba los periodos de rebajas, el año 2012 fue el momento que eligió España para unirse a la corriente del Black Friday con cientos de descuentos que, cada año, se han ido revisando. Una jornada que empezó con tiendas más o menos pequeñas y a la que se han sumado los gigantes del sector.

La cultura también tiene su Black Friday

 

La cultura también tendrá su propio Black Friday. Se trata de Fair Saturday, un movimiento cultural basado en la organización participativa de eventos artísticos y culturales. Se celebrará todos los últimos sábados de noviembre. 

BODEGONES

¿ De qué manera puede una naturaleza muerta encerrar un mensaje ? 

La naturaleza muerta se utilizó durante el Barroco para reflexionar sobre la fugacidad de los bienes terrenales y de la vida, especialmente en Holanda. No es un hecho casual. 

Este tipo de pinturas exponen un auténtico dilema moral que se planteaba en la sociedad de la época: como conciliar la riqueza y la abundancia con la austeridad que proclamaba la rigurosísima moral calvinista. 

Estos cuadros también transmiten un mensaje dual: aprecia la belleza que te rodea, pero recuerda siempre que es efímera. Y alcanzó tanta popularidad que llegó a formar un género propio que se conoce como vanitas, entendida no como presunción, sino como fugacidad o vacío. 

 

LA ULTIMA CENA DE DA VINCI

 

 

 

 

La obra de Leonardo Da Vinci, que muestra la última cena de Jesús y sus apóstoles y es considerada como una de las pinturas más conocidas del mundo. 

Lo que pocos saben es que, originalmente, La última cena mostraba los pies de Jesús, pero en 1652, cuando se realizaban trabajos en la sala donde se exhibía la pintura, el lienzo fue dañado.

La solución: cortar la zona inferior central, llevándose de paso los pies de Cristo.

¿DE DONDE PROCEDE LA TECNICA DE LA ACUARELA?

 

Aprovechamos el taller monográfico sobre acuarela que realizaremos el próximo día 12 en LAU 33 para conocer más sobre esta técnica y su origen, os damos unas pequeñas pinceladas:

 

La acuarela es un tipo de pintura que se realiza con colores diluidos en agua. El pigmento se aplica mezclado con una pequeña cantidad de agua, y al evaporarse la misma, el mismo queda en el papel de una manera tan diáfana que permite que el fondo blanco de ese papel quede a la vista bajo la pintura. Eso proporciona a esta técnica pictórica una excepcional transparencia y luminosidad y produce obras imposibles de conseguir por ningún otro medio. Por eso la pintura a la acuarela goza de tanta popularidad y los artistas la utilizan para los temas más diversos. Como ya dijimos antes, la clave está en el agua, que es la protagonista absoluta de este arte y por eso “acuarela“, deriva del latín “aqua“.
La acuarela basada en el “papel” surgió en China hacia el siglo I a.C. En aquel país surgió un tipo de pintura denominada “Shuimo huna“, una frase que viene de los términos agua (“shui”) y tinta (“mo”). La antigua danza del pincel, fue una técnica ancestral que se desarrolló en China hacia el siglo V durante la dinastía Tang (618-907) y que tuvo su desarrollo con el maestro Wu Daozi (Wu Tao-tzu) (710-780) un artista de la corte imperial que pasó la mayor parte de su vida realizando pinturas murales para los templos de la zona de Chang-an ( la mayor parte de ellos destruidos durante la persecución del budismo en el 845) y que configuran pinturas de inspiración budista y taoísta.

También tuvo su influencia el pintor Wang Wei (701- 761) que es considerado como el mejor pintor de la dinastía T’ang, aunque, desgraciadamente, no queda ni rastro de su obra original.

La técnica de la acuarela es muy antigua y los primeros trabajos con sistemas similares en los que se utilizaba agua mezclada con pintura datan del antiguo Egipto. En la Dinastía IV  entre el 2613 y el 2498 a.C. en la Mastaba de Nefermaat y Atet en Meidum se hizo la siguiente pintura de 172 x 27 cm. en estuco pintado. Son las famosas “ocas de Meidum” de la época del faraón Snofru que representa en la capilla de Atet a estas aves y que fueron realizadas con una técnica pictórica similar al fresco con un fondo de tono azulado y una policromía que parece poner las bases de lo que vendría después.

Y lo que vino fue aquella técnica surgida en el siglo XVI que se empleada para pintar sobre los muros y en la que se utilizaba como superficie una capa de yeso mojado y que se llamó la “pintura al buon fresco“. Consistía en una especie de aguada basada en una lechada de cal que llevaba los pigmentos mezclados y que se aplicaba sobre el revoque todavía húmedo del muro. Al secarse la humedad el pigmento quedada firmemente integrado en la pared (igual que le pasa a la acuarela con el papel) y el ejemplo más famoso es la Capilla Sixtina con mas de mil metros cuadrados realizada entre los años 1508 y 1512 por el gran artista Miguel Ángel.

Y aquí os dejamos la técnica:

1.-Trazo de líneas con lápiz Se hace un somero dibujo a lápiz de los contornos

 

2.-Manchado previo Se hace un manchado de las diversas zonas teniendo siempre en cuenta que en la acuarela se trabaja del claro hacia oscuro y que además no existe el blanco (será siempre el papel )

3.-Segundo manchado Dejando secar la acuarela diez o quince minutos efectuamos un segundo manchado, desde atrás hacia adelante en el que iremos definiendo las montañas y el cielo.

4.-Finalización de la obra Solo hay que dar unos toques de sombra y resaltar algunos detalles para reforzar las zonas que lo necesiten, usando pintura menos diluida.