LA CAPILLA SIXTINA: UN CEREBRO HUMANO

Al igual que en la obra maestra "La creación de Adán", los expertos aseguran que en los paneles de la Capilla Sixtina hay otra figura de Dios con un código oculto.

Se notó que la garganta y el pecho de Dios tenían irregularidades anatómicas, que no estaban presentes en ninguna otra figura en el fresco. Llegaron a la conclusión de que lo que parece torpeza debe haber sido un trabajo deliberado por el genio.

Mediante la superposición de cuello de aspecto extraño de Dios en la fotografía de un cerebro humano visto desde abajo que mostraron los dos igualados con precisión. Agregaron que un extraño rollo de tela se extiende hasta el centro del manto de Dios podría representar la médula espinal humana.

El cuello bultos en la figura Dios (A) del panel coincide con una fotografía del cerebro humano cuando se ve desde abajo (B), mientras que (C) muestra las diferentes partes del cerebro aparentemente oculta en la pintura.

LA TRADICION DEL BLACK FRIDAY

El cuarto jueves de noviembre Jerry y su familia se reunían en torno a una mesa llena de manjares. Su madre cocinaba pavo relleno regado con salsa de arándanos y acompañado por compota de manzana. En al mesa había entrantes de verduras, purés densos y sabrosos y, de postre, siempre tarta de calabaza. Ese día celebran una tradición que viene de antiguo.

 

Fue en el siglo XVII cuando los primeros colonos celebraron el Día de Acción de Gracias. Corría el año 1620 y un nutrido grupo llegó a lo que hoy es el estado de Massachusetts. Poco acostumbrados al frío de la zona y sin apenas comida, la mayoría enfermaron y buena parte murieron en aquellos primeros meses.

 

Cuando la primavera de 1621 empezaba a despuntar, un grupo de indios nativos fue al encuentro de los colonos, enseñándoles a trabajar las tierras, a cazar y a pescar para que, de este modo, pudieran disponer del alimento necesario para sobrevivir. A modo de agradecimiento organizaron una celebración en al que compartieron alimentos, el germen de una tradición que aún hoy se sigue celebrando.

 

Y al día siguiente Jerry iba con sus padres de compras. Comenzaba de este modo la adquisición de juguetes, prendas de ropa y cualquier otra cosa que se pudiera regalar en Navidad. Pero él odiaba aquella jornada. Las colas en los grandes almacenes eran insufribles y de los atascos mejor no hablar. Tal vez por eso los policías denominaron aquel viernes como Black Friday, porque la circulación era caótica. Los comercios, sin embargo, celebraban su particular puesta en marcha, incrementando el volumen de sus ventas hasta un 40% y pasando de números rojos a negros –otra posibilidad para el origen del término­–.

En cualquier caso, la vida de Jerry y la de otros tantos estadounidenses se veían absorbida por una vorágine de compras y descuentos, de carreras por obtener los mejores artículos al mejor precio. Una tradición que poco a poco han ido absorbiendo otros países y que, en España, se celebra desde hace apenas tres años.

Con la crisis como marco, la reciente subida del IVA y la eliminación de la ley que fijaba los periodos de rebajas, el año 2012 fue el momento que eligió España para unirse a la corriente del Black Friday con cientos de descuentos que, cada año, se han ido revisando. Una jornada que empezó con tiendas más o menos pequeñas y a la que se han sumado los gigantes del sector.

La cultura también tiene su Black Friday

 

La cultura también tendrá su propio Black Friday. Se trata de Fair Saturday, un movimiento cultural basado en la organización participativa de eventos artísticos y culturales. Se celebrará todos los últimos sábados de noviembre. 

BODEGONES

¿ De qué manera puede una naturaleza muerta encerrar un mensaje ? 

La naturaleza muerta se utilizó durante el Barroco para reflexionar sobre la fugacidad de los bienes terrenales y de la vida, especialmente en Holanda. No es un hecho casual. 

Este tipo de pinturas exponen un auténtico dilema moral que se planteaba en la sociedad de la época: como conciliar la riqueza y la abundancia con la austeridad que proclamaba la rigurosísima moral calvinista. 

Estos cuadros también transmiten un mensaje dual: aprecia la belleza que te rodea, pero recuerda siempre que es efímera. Y alcanzó tanta popularidad que llegó a formar un género propio que se conoce como vanitas, entendida no como presunción, sino como fugacidad o vacío. 

 

LA ULTIMA CENA DE DA VINCI

 

 

 

 

La obra de Leonardo Da Vinci, que muestra la última cena de Jesús y sus apóstoles y es considerada como una de las pinturas más conocidas del mundo. 

Lo que pocos saben es que, originalmente, La última cena mostraba los pies de Jesús, pero en 1652, cuando se realizaban trabajos en la sala donde se exhibía la pintura, el lienzo fue dañado.

La solución: cortar la zona inferior central, llevándose de paso los pies de Cristo.

¿DE DONDE PROCEDE LA TECNICA DE LA ACUARELA?

 

Aprovechamos el taller monográfico sobre acuarela que realizaremos el próximo día 12 en LAU 33 para conocer más sobre esta técnica y su origen, os damos unas pequeñas pinceladas:

 

La acuarela es un tipo de pintura que se realiza con colores diluidos en agua. El pigmento se aplica mezclado con una pequeña cantidad de agua, y al evaporarse la misma, el mismo queda en el papel de una manera tan diáfana que permite que el fondo blanco de ese papel quede a la vista bajo la pintura. Eso proporciona a esta técnica pictórica una excepcional transparencia y luminosidad y produce obras imposibles de conseguir por ningún otro medio. Por eso la pintura a la acuarela goza de tanta popularidad y los artistas la utilizan para los temas más diversos. Como ya dijimos antes, la clave está en el agua, que es la protagonista absoluta de este arte y por eso “acuarela“, deriva del latín “aqua“.
La acuarela basada en el “papel” surgió en China hacia el siglo I a.C. En aquel país surgió un tipo de pintura denominada “Shuimo huna“, una frase que viene de los términos agua (“shui”) y tinta (“mo”). La antigua danza del pincel, fue una técnica ancestral que se desarrolló en China hacia el siglo V durante la dinastía Tang (618-907) y que tuvo su desarrollo con el maestro Wu Daozi (Wu Tao-tzu) (710-780) un artista de la corte imperial que pasó la mayor parte de su vida realizando pinturas murales para los templos de la zona de Chang-an ( la mayor parte de ellos destruidos durante la persecución del budismo en el 845) y que configuran pinturas de inspiración budista y taoísta.

También tuvo su influencia el pintor Wang Wei (701- 761) que es considerado como el mejor pintor de la dinastía T’ang, aunque, desgraciadamente, no queda ni rastro de su obra original.

La técnica de la acuarela es muy antigua y los primeros trabajos con sistemas similares en los que se utilizaba agua mezclada con pintura datan del antiguo Egipto. En la Dinastía IV  entre el 2613 y el 2498 a.C. en la Mastaba de Nefermaat y Atet en Meidum se hizo la siguiente pintura de 172 x 27 cm. en estuco pintado. Son las famosas “ocas de Meidum” de la época del faraón Snofru que representa en la capilla de Atet a estas aves y que fueron realizadas con una técnica pictórica similar al fresco con un fondo de tono azulado y una policromía que parece poner las bases de lo que vendría después.

Y lo que vino fue aquella técnica surgida en el siglo XVI que se empleada para pintar sobre los muros y en la que se utilizaba como superficie una capa de yeso mojado y que se llamó la “pintura al buon fresco“. Consistía en una especie de aguada basada en una lechada de cal que llevaba los pigmentos mezclados y que se aplicaba sobre el revoque todavía húmedo del muro. Al secarse la humedad el pigmento quedada firmemente integrado en la pared (igual que le pasa a la acuarela con el papel) y el ejemplo más famoso es la Capilla Sixtina con mas de mil metros cuadrados realizada entre los años 1508 y 1512 por el gran artista Miguel Ángel.

Y aquí os dejamos la técnica:

1.-Trazo de líneas con lápiz Se hace un somero dibujo a lápiz de los contornos

 

2.-Manchado previo Se hace un manchado de las diversas zonas teniendo siempre en cuenta que en la acuarela se trabaja del claro hacia oscuro y que además no existe el blanco (será siempre el papel )

3.-Segundo manchado Dejando secar la acuarela diez o quince minutos efectuamos un segundo manchado, desde atrás hacia adelante en el que iremos definiendo las montañas y el cielo.

4.-Finalización de la obra Solo hay que dar unos toques de sombra y resaltar algunos detalles para reforzar las zonas que lo necesiten, usando pintura menos diluida.

 

LAS 56 PELICULAS SOBRE ARTE QUE TODOS DEBERIAMOS CONOCER

No son películas de cartelera comercial actual, pero si tenéis ocasión de verlas os las recomendamos. Puede que ya hayáis visto algunas, porque muchas de estas películas sobre arte son muy conocidas. 

1. La kermesse heróica, 1935. La llegada de soldados españoles a Flandes, combina la escuela barroca holandesa con la española.
2. Rembrandt, 1936. el cambio de vida del pintor tras la muerte de su esposa.
3. The moon and sixpence, 1943. Adaptación de la vida de Paul Gaugin.
4. Cinco mujeres alrededor de Utamaro, 1946. Adaptación de la vida del pintro japones Utamaro.
5. Moulin Rouge, 1952. Basada en la novela de Pierre La Mure, casi no es necesario describir esto conocido film, sobre la vida de Toulouse-Lautrec.
6. El loco del pelo rojo, 1956. Adaptación sobre la extravagante y oscura vida de Vicent Van Gogh.
7. El misterio Picasso, 1956. Adaptación sobre la vida de Pablo Picasso
8. Montparnasse 19, 1958. Adaptación sobre la vida del escultor y pintor Amadeo Modiglani
9. Un genio anda suelto, 1958. La obsesión con el tamaño de los lienzos a través de la vida de un pintor.
10. El tren, 1964. Film sobre los derechos de unos cuadros de alto valor disputados entre Alemania y Francia, en el marco de la Guerra Mundial. Maite Rosón nos escribe la siguiente crítica cinematográfica: “con un espléndido Burt Lancaster.Trata del rescate de cuadros de Francia, de la avaricia nazi.Un blanco y negro de la mejor escuela,y un tren que es un personaje central,y con un ritmo en la intriga formidable”.
11. El tormento y el éxtasis, 1965. Adaptación de la novel ad eIrving Stone, sobre las relaciones entre Miguel Ángel y el Papa Julio II.
12. Andeï Rubliev, 1966. Reflexión sobre los aspectos de la vida cuotidiana a través del arte-
13. El Greco, 1966. Adaptación de la vida de Doménikos Theotokópoulos, El Greco.
14. El Decameron, 1971. Adaptación sobre la vidad e Giovanni Boccaccio.
15. El contrato del dibujante, 1982. El comercio de intercambio a través del arte y “otras hospitalidades”.
16. Frida: naturaleza viva, 1984. Adaptación de la vida de Frida Kahlo.
17. Caravaggio, 1985. Adaptación de la obra y vida de Michelangelo Merisi, Caravaggio.
18. La pasión de Camile Claudel, 1988. Adaptación de la vida de la escultora Camile Claudel, la mano ejecutora de su amante y firmante de sus obras Augusto Rodin.
19. Luces y sombras, 1988. Film sobre Las Meninas de Diego Velázquez.
20. Historias de Nueva York: Apuntes del Natural, 1988. La difícil relación que mantienen un pintor con una aprendiz.
21. The life and death of Vicent Van Gogh, 1988. Adaptación de la vida de Van Gogh, a través de la interpretación de las cartas escritas por éste a su hermano y mecenas Théo.
22. Dalí, 1990. Adaptación sobre el inicio de la fama de Salvador Dalí, tras la visita de éste y Gala, su mujer, a Nueva York.
23. Los sueños de Akira Kurosava, 1990. La pintura y las obras de Van Gogh, en la visión de un estudiante de arte.
24. Vicent y Théo, 1990. Fragmento de la vida de el pintor holandés y su hermano
25. La bella mentirosa, 1991. Adaptación de la novela de Balzac sobre la vida de Frenhofer, un maestro que vive recluido con su mujer. – La belle noiseuse título original.
26. Van Gogh, 1991. Adaptación sobre el último verano de vida de Vicent Van Gogh.
27. El sol del membrillo, 1992. Adaptación sobre la obra del hiperrealista Antonio López. El desarrollo de su pintura a través de la realización de un solo lienzo.
28. La vida de bohemia, 1992. Film de denuncia a través de la vida de tres artistas que ven su trabajo frustrado porque su estilo no tienen cabida la sociedad en la que se encuentran.
29. Sirenas, 1994. Adaptación de una pequeña parte de la vida de Norman Lindsay en relación con la iglesia anglicana.
30. Carrington, 1995. Film sobre el amor platónico entre la pintora Dora Carrington y el escritor Lytton Strachey.
31. Basquiat, 1996. Adaptación sobre un año de la vida de Jean-Michel Basquiat, un joven pintor descubierto por Andy Warhol.
32. Sobrevivir a Picasso, 1996. Adaptación de la vida de Picasso y su amante Françoise Gilot.
33. Yo disparé a Andy Warhol, 1996. Película de contenido crítico con respecto al arte y la sociedad de los 60, basada en la historia de Valerie Solanas.
34. Diario íntimo, 1996. o “Escrito en el cuerpo”, es un film sobre el valor de la caligrafía y el erotismo que puede surgir de ella.
35. El amor es el demonio, 1998. Adaptación del momento de mayor éxito de Francis Bacon, en confluencia con el momento en el que su amante decide acabar con su propia vida.
36. Lautrec, 1998. Adaptación de la vida de Toulouse Lautrec, basada en su vida personal.
37. Volavérunt, 1998. Interpretación de la novela de Antonio Larreta. Tiene a Goya como figura principal, aunque no versa sobre el propio pintor.
38. La hora de las valientes, 1998. Representación del traslado de obras de arte del Museo del Prado a Valencia durante la Guerra Civil.
39. Goya en Burdeos, 1999. Adaptación cinematográfica de los últimos meses de la vida de Goya.
40. Abajo el telón, 1999. Diego Rivera recibe el encargo de pintar la antecámara del Rockefeller Center, en un periodo complicado para los artistas.
41. Pollock, la vida de un creador, 2000. Basada en el libro de Jackson Pollock sobre la técnica del dripping.
42. Buñuel y la mesa del Rey Solomón, 2001. Recreación del tiempo que pasaron en Toledo Buñuel, Lorca y Dalí.
43. Frida, 2002. Adapración del libro de Hayden Herrera sobre las vidas de Frida Kahlo, Diego Rivera.
44. La joven de la perla, 2003. Film que surge del retrato de Johannes Vermeer. Narra la historia de la novela de Tracy Chevalier
45. Modigliani, 2004. Adaptación de la rivalidad entre Picasso y Modigliani, a todos los niveles.
46. Klimt, 2006. Adaptación de la vida de Gustav Klimt.
47. Los fantasmas de Goya, 2006. Enmarcada en el contexto de la Inquisición Española, se narran las persecuciones en las que se vio envuelto el pintor de la corte Francisco de Goya.
48. El Greco, 2007. Adaptación de la novela de Dimitris Siatíopulos sobre la vida de El Greco.
49. ¡Al límite!, 2008. Este filme también retrata los momentos compartidos por Buñuel, García Lorca y Dalí.
50. Oscar. Una Pasión Surrealista, 2008. Película que cruza dos momentos de tiempo diferentes juntando la vida del pintor Óscar Domínguez, residente en París a principios del siglo XX y Ana que vive en la actualidad.
51. Rembrandt’s J’accuse, 2008. Adaptación sobre el momento que se muestra en “La ronda nocturna” de Rembrandt.
52. Séraphine, 2008. Adaptación de la vida de Séraphine Louise y cómo llegó a poder desarrollar su potencial artístico.
53. El gran Vázquez, 2010. Adaptación de la vida dibujante de cómics Manuel Vázquez y de su despreocupado estilo de vida.
54. El artista y la modelo, 2012. La vida de un famoso escultor cambia radicalmente con la llegada de una joven al campo de refugiados para servirle de musa.
55. Renoir, 2012. Adaptación de la vida del pintor Auguste Renoir.
56. La banda de Picasso, 2013. El robo de “La Gioconda” enfrenta a Pablo Picasso y Guillaume Apollinaire.

¿QUIEN ES LA VENUS DEL ESPEJO DE VELAZQUEZ?

Algunos expertos afirman que Velázquez pintó el cuadro en 1648 antes de marcharse por segunda vez a Italia; para otros, lo hizo durante ese viaje, entre 1648 y 1650. La datación es importante en este caso, porque ciertos autores han apuntado que se trataría del retrato de la amante italiana del pintor, que le dio un hijo ilegitimo y que le mantuvo en Italia durante más tiempo del esperado, para desesperación de Felipe IV.

Sería insólito que el primer desnudo integral de la pintura española obedeciera a razones tan personales y privadas. Es impensable que el cuadro no contara con el beneplácito del rey. Desde luego, los expertos coinciden en que el encargo solo pudo ser hecho por algún personaje con poder.

Así, la teoría mas aceptada es que se trata de alguna de las amantes de Gaspar Méndez de Haro, marqués del Carpio y Heliche y sobrino del Conde Duque Olivares ( la candidata más probable era una actriz, una tal Damiana ), que puede que fuera quien encargó la obra, ya que aparece por primera vez en un inventario de sus bienes fechado en 1651; quizá por eso el pintor oculta la identidad en la imagen distorsionada del rostro que se refleja en el espejo.

HOY CONOCEMOS A CHILLIDA

 

 

 

Eduardo Chillida (San Sebastián 1924,2002), escultor vasco, considerado como uno de los más importantes del siglo XX. Comenzó los estudios de Arquitectura en Madrid, pero los abandonó para dedicarse a la escultura –y al dibujo-. Su obra se vio, positivamente, influenciada por sus estudios, en cuanto a volúmenes y espacio. En esos años se dedicó también al fútbol, siendo portero de la Real Sociedad. Después de pasar por París, se instala en San Sebastián, “la luz del Atlántico es negra” decía.

 

 

 

Aprende el arte de la forja y comienza la escultura abstracta con Ilarik, para continuar con otras, ya más perfiladas, como  Elogio del aire o El peine del viento. Reconocido internacionalmente, expone en ciudades como París, Londres, Milán o Nueva York. Más tarde va utilizando la madera, el alabastro, el acero  y el hormigón; muestras de ello se encuentran en multitud de ciudades españoles y extranjeras. Con una obra que ha acumulado multitud de premios y ha quedado  en los principales museos del mundo, Chillida es para muchos el mejor escultor español de la segunda mitad del siglo XX; Premio Príncipe de Asturias en 1987 y la Orden Imperial de Japón en 1991.

 

Berlín, Cancillería Federal	Main IX
Figura, 1986	Monumento a Thyssen, Düsseldorf. 1971

 

 

Lo traemos aquí por una obra con reminiscencias matemáticas: las características geométricas de sus obras escultóricas son diáfanas e ineludibles. Abrazó la abstracción geométrica, haciendo esculturas en hormigón, de gran magnitud. "La mesa de Omar Kayyan" es un homenaje al poeta, astrónomo y matemático persa.

 

     

Creó el museo Chillida-Leku, que es un gran espacio de caserío,  jardines y bosques, cerca de Hernani, que contiene una numerosa obra suya, algunas de grandes dimensiones. Sus ideas sobre la montaña Tindaya en Lanzarote quedarán en suspenso por años. Su gran proyecto de hacer un cubo inmenso dentro de la montaña, topó con ecologistas que veían al escultor “esquilmando” los ancestros canarios, y lo que empezó como un sueño, terminó como una pesadilla.

 

 

 

 

 

 

¿SABIAS QUE VAN GOGH...?

 

 

 

1. Vincent Van Gogh nació el 30 de Marzo de 1853 en Holanda. Le llamaron así por su abuelo y por su hermano… que murió todavía siendo un bebé un año antes de que Van Gogh naciera.

 

 

2. Van Gogh tenía 27 años cuando pintó su primer cuadro.

 

 

3. Cuando Van Gogh empezó a pintar, usaba campesinos como modelo. Después pintaría flores, paisajes y a sí mismo… ante todo porque era demasiado pobre como para pagar a nadie que posara para él.

 

 

4. Van Gogh sufría de epilepsia del lóbulo temporal, una enfermedad neurológica crónica caracterizada por convulsiones recurrentes y sin causa aparente. 

 

5. En un corto periodo de 10 años, Van Gogh pintó aproximadamente 900 cuadros.

 

6. Durante uno de sus brotes, Van Gogh atacó a su amigo Paul Gauguin con una navaja. Esto dio como resultado que Vincent se cortara su propia oreja -pero no entera, como todos piensan.

 

 

7. Van Gogh creó su obra más famosa, “La noche estrellada”, cuando estaba ingresado en una residencia en Saint-Rémy-de-Provence, Francia. 

 

 

8. Van Gogh representaba visualmente las ‘turbulencias’ en sus cuadros durante un momento particularmente caótico de su vida. En un principio matemático increíblemente complejo y aún sin resolver. 

 

 

9. Vincent se pegó un tiro en un campo de trigo de Auvers, Francia, pero no murió hasta dos días más tarde -a la edad de 37 años-. Su hermano Theo, a su lado cuando murió, dijo que sus últimas palabras fueron “La tristesse durera toujours“, que significa “la tristeza durará para siempre“.

 

10. Vincent Van Gogh sólo vendió un cuadro durante toda su vida. Se convirtió en un pintor famoso después de su muerte.

ALGUNAS DE LAS MUJERES ARTISTAS MAS IMPORTANTES  DE LA HISTORIA

 

Frida Kahlo

Esta pintora mexicana combina en su obra, eminentemente personal, los estilos surrealista, naïf y folclórico. La vida de Frida Kahlo (1907-1954) estuvo marcada por una enfermedad infantil y por un accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta 32 veces. Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera, aunque también se dice que tenía tendencias bisexuales. Su obra pictórica gira entorno a su vida y sufrimiento además de estar muy influenciada artísticamente por su marido. Aunque su obra fue admirada por varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron una mayor trascendencia.

Yayoi Kusama

Nació en una familia de clase media alta y desde pequeña ya apuntaba maneras. Estudió en Nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto pero este estilo le frustraba así que decidió probar con el avant-garde americano y europeo.
En 1957 se instaló en Nueva York donde realizó una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto.

Pero pronto Kusama se pasa a la escultura y la instalación y comienza a adentrarse en el estilo Arte Pop con sus trabajos expuestos al lado de figuras tan representativas de este movimiento artístico como Andy Warhol o George Segal. Su trabajo está basado en el arte conceptual mostrando atributos del feminismo, el minimalismo, el surrealismo, el arte marginal, arte pop todo ello fusionado en una obra autobiográfica, psicológica y sexual.

Las obras de la artista japonesa son de las más cotizadas a nivel mundial y siendo mujer, se encuentra en un buen puesto del ránking de artistas mejor valorados en el mundo del arte ostentando el número 34. En 2008, la casa de apuestas Christie'svendió en Nueva York, una obra de la artista por 5,1 millones de dólares, un récord para ser una artista femenina viva.

© Web

Camille Claudel

Desde la infancia Camille (1864-1943) fue una apasionada de la escultura. En 1876 su familia fue trasladada a Nogent-sur-Seine y allí conoció a Paul Dubois quien la introdujo en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. En 1884 comienza a trabajar con Auguste Rodin, quien cayó rendido a sus pies como mujer, y como artista, convirtiéndose en su modelo y musa. Aunque se mueven en los mismos ambientes y hacen viajes de largos periodos de tiempo, Rodin está unido sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien se niega dejar. Situación que servirá de inspiración para las obras más importantes de la carrera de Camille como por ejemplo, La edad madura. Su fama llega a tal punto que es promocionada por varios artistas de la época, incluso apareciendo en varias revistas de arte.

La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma piedra, ya que su nuevo acompañante Claude Debussy está casado con otra mujer. Comienza aquí su declive con continuos episodios de crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse en su taller y destruir sus obras. Un final triste para una gran artista ya que por decisión de su familia fue ingresada en un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.

Beatrix Potter

¿Quién no conoce los Cuentos Completos de Beatrix Potter? La escritora e ilustradora (1866-1943) creció en una familia de buena posición, victoriana y convencional. Su vida estaba encaminada a convertirse en esposa y madre pero desde pequeña tuvo claro que quería ser independiente. Se convirtió en una intelectural especializada en naturaleza e hizo varios estudios sobre líquenes, hongos y plantas que tuvieron que ser presentados por su tío ante el círculo de investigadores ya que a las mujeres no se les estaba permitido; misma razón por la que la autora no pudo estudiar en los Reales Jardines de Kew.

En 1902 publica su primer cuento ilustrado y tal fue su éxito que durante los 8 años siguientes no dejó de escribir historias animadas. En 1905 se casa con el editor Frederick Warne, enfrentándose a la oposición de sus padres, con tal mala suerte que su marido falleció ese mismo año. Fue entonces cuando Beatrix compró la granja Top Hill en Escocia, la que se convertirá en escenario de muchos de sus futuros cuentos.

© Ralph Lauren

Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka (1898-1980) fue un pintora de origen ruso y gran exponente de lacorriente Art Decó. Muchos son los adjetivos que podrían definirla: elegante, excéntrica, mundana... La artista vivió diez años en París, durante la época de 1920, muy felices ya que consiguió destacar por ser la retratista más importante del estilo Art Decó. En sus obras siempre se decantaba por la aparición de la figura femenina, la moda, el lujo y el erotismo.

Muchos la califican de femme fatale, bastante superficial y clasista ya que su indiferencia era evidente tanto en los ambientes culturales como por el movimiento feminista. Entre la aristocracia era de las artistas más codiciadas ya que se convirtió en retratista de moda para esta clase social e hizo portadas para la revista de moda alemana Die Dame; aunque poco a poco sus pinturas fueron perdiendo protagonismo ya que el gobierno nazi las consideró porno blando.

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe (1887-1986) pertenece a la escuela modernista norteamericana. Estudió en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago, bajo la dirección de John Vanderpoel. En 1907 se trasladó a Nueva York para unirse a la Art Student League donde conoció el arte europeo de Rodin y Matisse. La artista quería dar vida y expresión visual a sus emociones lo que le llevó a pintar abstracciones basadas en la naturaleza. Sus obras más conocidas son las pinturas de flores a gran escala como Black Iris (1926) así como sus series de cuadros, como por ejemplo, Jack-in-a-Pulpit de 1930. En 1946 se traslada a Nuevo México, lugar que había conocido en uno de sus viajes como artista. Durante los años 30 y 40 amplió su registro introduciendo a sus pinturas huesos y cráneos de animales.

© ernst-haas.com

Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una artista expresionista abstracta influenciada por la obra de Jackson Pollock y Clement Greenberg, con quien también se involucró en el movimiento de arte abstracto.

Estudió en la Escuela Dalton con Rufino Tamayo y también en el Bennington College de Vermont. La pintora desarrolló una técnica pictórica propia para aplicar la pintura al lienzo. Dicha técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) consiste en licuar la pintura al óleo con aguarrás y dejar que la tela, todavía sin tratar, absorba para eliminar cualquier sensación tridimensional.

Asimismo, esta técnica inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por artistas Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor del minimalismo. Su obra más representativa es el cuadro de Montañas y mar.

Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010) fue una escultora francesa-norteamericana considerada una de las artistas más importantes del arte contemporáneo, cruzándose con los principales movimientos vanguardistas del siglo XX como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el posminimalismo. Sus esculturas de araña, como la que mostramos en la imagen, hechas en homenaje a su madre que era tejedora (así como la representación de la duplicidad de la naturaleza y la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo), se han convertido en su seña de identidad y le han valido el apodo de la "mujer araña".

Precisamente, su obra Araña, según recientes informes publicados, se considera una de las más valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta por subasta en 10,7 millones de dólares. A pesar de su amplia trayectoria con trabajos abstractos sus obras también se relacionan con la figura humana expresando temas como la traición, la soledad o la ansiedad. Una obra claramente autobiográfica y marcada por un trauma de la infancia causado por la relación de su padre con su niñera.

© gelleryintel.com

Leonora Carrington

Leonora Carrington (1917-2011) fue una pintora de origen inglés que se inicia en el mundo de la arte de la mano de Max Ernst. Nació en el seno de una familia rica de la industria textil y debido a los cuentos de hadas que le contaba su nana durante la infancia, su posterior obra estará más que influenciada por estas historias de fantasía.
Tras una rebelde adolescencia, en 1936 ingresa en la Academia de Amédée Ozenfantdonde comienza sus estudios de dibujo y pintura. Un año después será cuando conozca a Max Ernst, quien la introduce en los círculos del surrealismo.

Al comienzo de la II Guerra Mundial, en 1939 se traslada a España y Portugal donde conoce a Renato Leduc, amigo de Picasso, con quien se casa, aunque este matrimonio durará tan solo 2 años.
En 1943 conoce a Edward James en México, mecenas de los surrealistas y máximo coleccionista de su obra. Allí vivió durante 43 años donde formó parte del movimiento surrealista y conoció a Frida Kahlo y Remedios Varo, convirtiéndose en grandes amigas. Su lenguaje pictórico combina lo siniestro, lo sobrenatural, los símbolos religiosos y la psicología de Jung en mundos imaginados donde se mezclan sueño y realidad.

Natalia Goncharova

Natalia Goncharova (1881-1962) nació en una familia de alta burguesía rural y era biznieta de Alexander Pushkin. Comenzó sus estudios en 1898 en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú donde conoció a Mijail Lariónov, quien se convirtió en su compañero tanto sentimental como profesional. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte popular ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por el futurismo y el cubismo, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien acogida por el público aunque su estilo de vida, alejada de los convencionalismos sociales, siempre causó polémica.

Con su exposición Le Coq d’or de Diághilev dió el salto a Europa dándose a conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.

Goncharova, al igual que el caso de Louise Bourgeois, es considerada una de las artistas femeninas mejor valoradas en el mundo del arte, y ejemplo de ello es la venta que se consiguió hacer de su cuadro Flores por 10,8 millones de dólares.

Berthe Morisot

Berthe Morisot (1841-1895) fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista. Nació en una familia de la alta burguesía y fue educada en el mundo del arte y la música. Disciplinas que supo combinar dentro de su papel de mujer moderna y animadora social.

Fue modelo y amiga de Manet, y estuvo casada con el hermano del artista, Eugène. La artista tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés y expuso junto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet. Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie's, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares. Por ello, se le considera la mujer artista mejor valorada del mundo del arte.

Mary Cassatt

Mary Cassatt (1844-1926) era hija de un banquero estadounidese que no veía con buenos ojos los intereses artísticos de su hija y se posicionó en contra de su carrera como pintora. Por fin, en 1861, Mery comienza sus estudios en la Academy of Fine Arts de Filadelfia donde adquiere un acento académico que más tarde la llevará al taller de Chaplin en París. Durante estos años le delata su gusto por el trabajo de Courbet, Velázquez o Rembrabdt. Pero es Degas quien la introduce en el mundo del Impresionismo, y aprende la técnicadel grabado y los tonos pasteles. Es entonces cuando su estilo comienza a acercarse al de su propio maestro, así como al del artista Renoir.

Comienza entonces a trabajar por su cuenta y empieza a ser conocida sobre todo por sus series de niños y madres. Aunque la artista explora también otros aspectos de la vida social y privada de las mujeres en sus obras. Una repentina pérdida de visión le hizo retirarse antes de lo esperado del mundo de la pintura, pero gracias a su trabajo el Impresionismo se introdujo en Estados Unidos.

CURIOSIDADES SOBRE HALLOWEEN

 

 

 

 

Halloween se deriva de «All hallow’s eve», que en inglés antiguo significa víspera de todos santos. El origen de Haloween data de hace 3.000 años en la cultura celta, que festejaba su final de año el 31 de octubre. La creencia decía que esa noche los muertos volvían para apoderarse del alma de los vivos.

El uso de las máscaras viene de la creencia de que con éstas se podía asustar a los malos espíritus.

Los celtas creían que los muertos los amenazaban si no les daban lo que querían; de ahí proviene la tradición de pedir dulces, pues los niños los exigen a cambio de no hacer travesuras; este es el famoso truco o trato, en inglés «trick or treat».

Las velas en la noche de Halloween son muy importantes, se dice que para que los espíritus no perturben tu sueño es necesario poner una vela en la ventana de la casa por cada familiar difunto. En esa noche los espíritus visitaban las casas de sus familiares, y para que los espíritus no les perturbasen los aldeanos debían poner una vela en la ventana de su casa por cada difunto que hubiese en la familia. Si había una vela en recuerdo de cada difunto los espíritus no molestaban a sus familiares, si no era así los espíritus les perturbaban por la noche y les hacían caer entre terribles pesadillas.

La tradición de las calabazas se originó en la leyenda irlandesa de Jack O’Lantern, un hombre que invitó al diablo a beber a su casa en la noche de todos Santos, y finalmente acabó en el infierno.

En Escocia los niños cantan o cuentan chistes o historias para ganar dulces. Las chicas jóvenes pelan una manzana frente al espejo, alumbradas únicamente por una vela o candelabro. Si logran pelar la cáscara en una sola tira, el espejo les mostrará la imagen de su futuro esposo.

La oreja de Van Gogh 

El extraordinario mito de la automutilación de la oreja del neerlandés por el amor imposible con una mujer ha trascendido a lo largo de la historia del arte, pero en realidad se debió a una discusión sobre el significado del arte con Paul Gauguin durante su estancia en Arles, Francia. La versión más convincente es la que junta ambos testimonios y afirma que Gauguin, maestro de esgrima, rozó el lóbulo de su oreja izquierda, creando un desprendimiento parcial que el mismo van Gogh culminó más tarde.

JORNADA "GENERANDO TERRITORIO"

2 Octubre 2016

Plaza de las Peñuelas (Madrid)

Os dejamos el vídeo con música de Tierra Santa ("La canción del pirata"), con el resumen del taller de arte "El gran bodegón" que hicimos invitados por nuestros amigos de Residui Teatro, Gregorio y Viviana en la Jornada "Generando territorio".
Muchas gracias a todos los que participasteis (fuisteis muchos) y por todos los halagos que nos dedicasteis durante toda la mañana.
¡Fue un placer contar con vosotros! ¡Os esperamos en el próximo taller!

 

 

 

 

CURIOSIDADES SOBRE LA GIOCONDA....

Centenares de preguntas rodean el retrato más famoso de la historia. Tras medio siglo de vida, todavía siguen sugiriéndose nuevas interpretaciones sobre todos los elementos de esta obra. Habiendo recibido inevitablemente y merecidamente un reconocimiento como icono cultural, su hechizo traspasa las barreras pictóricas por alimentar todo tipo de ámbitos, ya sean el cine, la literatura o la religión.

 

¿Quién es ella?

Mirada de reojo, labios finos, cejas y pestañas ausentes, manos grandes, sonrisa imposible de describir... Todos estos rasgos, unidos a un paisaje extraño, lleno de sombras y colores indefinidos, son los que han despertado el interés y el ansia interpretativa de mucha gente, desde el momento que el retrato salió a la luz. Es inevitable observar o hablar de esta obra sin que aparezcan interrogantes cómo: ¿quién es esta mujer? ¿Sonríe? Y si sonríe, ¿a qué se debe? Hay quien se preguntará por qué un retrato es motivo de tanto jaleo y expectación.

 

Seguramente, muchos sólo ven a una mujer posando, que parece sonreír tímidamente, y no encuentran razón para hacerse tantas preguntas ante una imagen que parece sencilla en cuanto a contenido. Pero si se tienen en cuenta las suposiciones y dilemas sobre la identidad de la mujer retratada, y que siempre se ha creído que Da Vinci introducía mensajes ocultos en sus obras, entre otras cosas, no es de extrañar que esta imagen cautive tan sólo con mirarla